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Stampa Gustav Klimt - La Maternità e l'albero della vita (crema)

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Stampa Gustav Klimt - "La Maternità e l'albero della vita (crema)"
Supporto : carta spessa lucida
Dimensioni : 100 x 50 cm

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L'Albero della Vita (1909), Gustav Klimt

È nell'abbagliante Belle Époque che a Gustav Klimt, il geniale pittore austriaco, viene commissionata la realizzazione di quella che diventerà una delle sue opere maestre, La Frieze Stoclet, dando vita all'Albero della Vita. Attraverso il suo amico, l'architetto Joseph Hoffmann, gli viene offerta l'opportunità di decorare le pareti della sala da pranzo del Palazzo Stoclet, di proprietà del banchiere belga Adolphe Stoclet e sua moglie, entrambi collezionisti d'arte, a Bruxelles. Una sala fondamentale nella costruzione, poiché è il luogo in cui gli Stoclet ricevono i loro ospiti, la sala da pranzo doveva essere la quintessenza dell'edificio. Con un costo esorbitante per l'epoca di 100.000 corone, "La Frieze Stoclet" è all'altezza della magnificenza desiderata dagli Stoclet e continua a impressionare ancora oggi. Il Palazzo è stato iscritto nel 2009 nella Lista del Patrimonio Mondiale dell'UNESCO. La Frieze Stoclet si presenta in tre pannelli separati, realizzati in bronzo, platino, oro e argento, poiché Klimt si trova nel suo cosiddetto periodo dorato (fortemente ispirato alle opere bizantine). Due pannelli grandi, ciascuno lungo quasi 7 metri e alto 2 metri, si trovano di fronte, e un terzo, molto più piccolo, di 1 metro per 2 metri, li unisce su un terzo muro. La Frieze Stoclet inizia sulla parete sinistra con una donna sola, ispirata, per posizione e abbigliamento, a una ballerina dell'Alto Egitto, chiamata l'Attesa, che ci introduce nell'opera. Prosegue con l'Albero della Vita, maestoso e impressionante, con i suoi rami che diventano spirali dorate che raggiungono così l'Attesa e la catturano per legarla all'albero. L'Albero stesso si trova in un prato con fiori molto colorati e stilizzati (ispirato al giardino della Villa Oleander, in Austria, dove Klimt trascorreva del tempo con la sua amante e musa Emilie Flöge). Le spirali, d'altra parte, trovano origine nei motivi decorativi della Grecia antica, noti come micenei. Inoltre, oltre all'Attesa, altri dettagli sono direttamente ispirati all'Egitto e all'arte egizia, come il falco Horus posato su uno dei rami e gli occhi stilizzati (un motivo ricorrente nel cuore dei rami intrecciati), anch'essi associati al dio Horus e chiamati "occhio di Udjat". Entrambi gli elementi sono simboli di unione e protezione nella cultura egizia. Nell'opposto dell'Attesa, una forma fatta di triangoli e cerchi (il simbolismo è molto presente nell'opera di Klimt), interamente realizzata in argento, bilancia il primo pannello. Sul muro di fronte, il secondo pannello ripete la stessa forma di triangoli e cerchi, lo stesso Albero, ma di fronte all'Attesa. Questa volta, una coppia abbracciata è collegata all'Albero. L'uomo e la donna ricordano la coppia de Il Bacio, dipinto nella stessa epoca. Questa parte dell'opera è chiamata Il Compimento. Unendo questi due immensi pannelli e posizionato su un terzo muro, più piccolo, c'è una forma chiamata Il Cavaliere, più geometrica e simbolica. Da questa Frieze Stoclet, Klimt creerà un dipinto in cui unisce i tre elementi figurativi importanti, l'Attesa, l'Albero e il Compimento, formando così l'Albero della Vita! È collegato, nella cultura cristiana, all'Albero della Conoscenza del Bene e del Male e riconosciuto come simbolo di saggezza, rinascita e immortalità, rendendo quest'opera di Klimt una creazione universale capace di attraversare le epoche e di affascinarci ancora oggi. Oltre a queste sontuose mosaici della fresca del Palazzo Stoclet a Bruxelles, quest'opera può essere ammirata sotto forma di dipinti su tela che Gustav Klimt ha realizzato come studi preparatori e che sono attualmente esposti al Museo delle Arti Applicate di Vienna, in Austria.

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Art Nouveau: Un Vortice Ornamentale che ha Segnato il Mondo dell'Arte

L'Art Nouveau, questo movimento artistico che è germogliato alla fine del XIX secolo in Europa, è riuscito a meravigliare i sensi e a rivoluzionare la concezione artistica fino alle prime decadi del XX secolo. I suoi fondatori, visionari come Victor Horta e Hector Guimard, hanno infuso una nuova vitalità all'espressione creativa adottando uno stile ornamentale stravagante, simile a una sinfonia visiva tratta dalla natura. Tra il 1895 e il 1905, l'Art Nouveau ha raggiunto il suo apice, sommergendo il panorama artistico e architettonico con il suo splendore flamboyant. Tuttavia, la sua impronta si è profondamente radicata nei meandri dell'arte e dell'architettura, estendendosi ben oltre quel periodo di prosperità. Il movimento ha tratto ispirazione da diverse correnti artistiche e culturali dell'epoca, come il Giapponismo e il Movimento Arts & Crafts, mescolando abilmente elementi tradizionali e moderni per creare un'estetica audace. Gli artisti dell'Art Nouveau hanno lasciato il segno con linee curve fluide e complessi motivi ornamentali, sbocciando come petali fioriti nelle loro creazioni. La loro passione per la natura si è manifestata in opere traboccanti di vita ed energia, catturando l'essenza stessa del mondo naturale in realizzazioni di una bellezza mozzafiato. Hanno anche esplorato nuove strade artistiche, spingendo i limiti attraverso tecniche di produzione innovative, come il vetro soffiato e il metallo forgiano. Questi audaci creatori hanno trovato il loro terreno di espressione in una molteplicità di campi artistici, che sia nell'architettura, nella scultura, nell'incisione, nella fotografia o nel design di mobili. Nomi come Victor Horta, Hector Guimard, Gustav Klimt, Antoni Gaudí, Alphonse Mucha, Théophile Alexandre Steinlen, Henri de Toulouse-Lautrec e Aubrey Beardsley hanno illuminato la scena artistica con il loro genio creativo. Le loro opere, esposte in manifestazioni internazionali, hanno diffuso la fama dell'Art Nouveau in tutto il globo. Anche se l'Art Nouveau ha occupato un posto importante nella storia dell'arte, non è sfuggito alla critica, con alcuni che gli hanno rimproverato la mancanza di profondità politica e sociale. Alla svolta del XX secolo, ha infine lasciato spazio a nuovi movimenti artistici. Tuttavia, il suo retaggio è perdurato, impregnando l'arte e l'architettura di un'influenza senza tempo. Ancora oggi viene celebrato e ammirato per il suo splendore e la sua creatività senza pari, testimone eterno di un'epoca in cui l'arte ha osato spingere i limiti dell'immaginazione.

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