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Funda de cojín Gustav Klimt : El árbol de la vida

REF : COUS-GK-01

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Funda de cojín Gustav Klimt : "El árbol de la vida"

Algodón
Fabricado en Flandes, en auténticos telares Jacquard.

Dimensiones: 48 x 48 cm

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El Árbol de la Vida (1909), Gustav Klimt

Es en el esplendor de la Belle Époque que Gustav Klimt, el genial pintor austriaco, recibe el encargo de crear lo que se convertirá en una de sus obras maestras, La Frieze Stoclet, dando origen al Árbol de la Vida. A través de su amigo, el arquitecto Josef Hoffmann, se le invita a adornar las paredes del comedor del Palacio Stoclet, propiedad del banquero belga Adolphe Stoclet y su esposa, ambos coleccionistas de arte, en Bruselas. Una sala fundamental en la construcción, ya que es el lugar donde los Stoclet reciben a sus invitados, el comedor debía ser la quintaesencia del edificio. Con un costo exorbitante para la época de 100,000 coronas, "La Frieze Stoclet" está a la altura de la magnificencia deseada por los Stoclet y sigue impresionando hasta nuestros días. El Palacio fue inscrito en la Lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO en 2009. La Frieze Stoclet se presenta en tres paneles independientes, hechos de bronce, platino, oro y plata, ya que Klimt se encuentra en su llamado período dorado (fuertemente inspirado en las obras bizantinas). Dos paneles grandes, cada uno con casi 7 metros de largo por 2 metros de alto, se enfrentan, y un tercero, mucho más pequeño, de 1 metro por 2 metros, los une en un tercer muro. La Frieze Stoclet comienza en la pared izquierda con una mujer sola, inspirada, por su posición y atuendo, en una bailarina del Alto Egipto, llamada la Espera, que nos introduce en la obra. Continúa con el Árbol de la Vida, majestuoso e impresionante, con sus ramas que se convierten en espirales doradas que llegan hasta la Espera y la capturan para unirla al árbol. El Árbol en sí mismo se encuentra en un prado de flores muy coloridas y estilizadas (inspiradas en el jardín de la Villa Oleander, en Austria, donde Klimt pasaba tiempo con su amante y musa Emilie Flöge). Las espirales, por otro lado, encuentran su origen en los motivos decorativos de la Grecia antigua, conocidos como micénicos. Además de la Espera, otros detalles están directamente inspirados en Egipto y el arte egipcio, como el halcón Horus posado en una de las ramas, y los ojos estilizados (un motivo recurrente en el corazón de las ramas entrelazadas), también asociados con el dios Horus y llamados "ojo de Udjat". Ambos elementos son símbolos de unión y protección en la cultura egipcia. En el lado opuesto de la Espera, una forma hecha de triángulos y círculos (el simbolismo está muy presente en la obra de Klimt), completamente realizada en plata, equilibra el primer panel. En la pared que le hace frente, el segundo panel repite la misma forma de triángulos y círculos, el mismo Árbol, pero frente a la Espera. Esta vez, una pareja abrazada está conectada al Árbol. El hombre y la mujer recuerdan a la pareja de El Beso, pintado en la misma época. Esta parte de la obra se llama El Cumplimiento. Reuniendo estos dos paneles inmensos, y ubicada en un tercer muro más pequeño, hay una forma llamada El Caballero, más geométrica y simbólica. De esta Frieze Stoclet, Klimt creará una tela donde une los tres elementos figurativos importantes, la Espera, el Árbol y el Cumplimiento, formando así el Árbol de la Vida. Está vinculado, en la cultura cristiana, al Árbol del Conocimiento del Bien y del Mal y reconocido como símbolo de sabiduría, renacimiento e inmortalidad, haciendo de esta obra de Klimt una pieza universal capaz de trascender el tiempo y fascinarnos incluso hoy en día. Además de estas suntuosas mosaicos de la fresca del Palacio Stoclet en Bruselas, esta obra se puede contemplar en forma de pinturas sobre lienzo que Gustav Klimt realizó como estudios preparatorios y que hoy se exhiben en el Museo de Artes Aplicadas de Viena, Austria.

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Art Nouveau: Un Torbellino Ornamental que Marcó el Mundo del Arte

El Art Nouveau, este movimiento artístico que surgió a finales del siglo XIX en Europa, logró maravillar los sentidos y revolucionar la concepción artística hasta las primeras décadas del siglo XX. Sus fundadores, mentes visionarias como Victor Horta y Hector Guimard, infundieron una nueva vitalidad a la expresión creativa al adoptar un estilo ornamental extravagante, similar a una sinfonía visual extraída de la naturaleza. Entre 1895 y 1905, el Art Nouveau alcanzó su apogeo, sumergiendo el paisaje artístico y arquitectónico con su resplandor flamante. Sin embargo, su huella se arraigó profundamente en los entresijos del arte y la arquitectura, extendiéndose mucho más allá de ese período próspero. El movimiento se inspiró en diversas corrientes artísticas y culturales de la época, como el Japonismo y el Movimiento Arts & Crafts, mezclando con maestría elementos tradicionales y modernos para crear una estética audaz. Los artistas del Art Nouveau dejaron su marca con líneas curvas fluidas y motivos ornamentales complejos, floreciendo como pétalos en sus creaciones. Su pasión por la naturaleza se expresó en obras rebosantes de vida y energía, capturando la esencia misma del mundo natural en realizaciones de una belleza impresionante. También exploraron nuevos caminos artísticos, empujando los límites mediante técnicas de producción innovadoras, como el vidrio soplado y el metal forjado. Estos valientes creadores encontraron su terreno de expresión en una multitud de campos artísticos, ya sea en arquitectura, escultura, grabado, fotografía o diseño de muebles. Nombres como Victor Horta, Hector Guimard, Gustav Klimt, Antoni Gaudí, Alphonse Mucha, Théophile Alexandre Steinlen, Henri de Toulouse-Lautrec y Aubrey Beardsley iluminaron la escena artística con su genio creativo. Sus obras, expuestas en eventos internacionales, propagaron la fama del Art Nouveau a todos los rincones del globo. Aunque el Art Nouveau ocupó un lugar destacado en la historia del arte, no escapó a la crítica, algunos le reprocharon su falta de profundidad política y social. A principios del siglo XX, finalmente cedió su lugar a nuevos movimientos artísticos. Sin embargo, su legado perduró, impregnando el arte y la arquitectura con una influencia atemporal. Incluso hoy en día, se celebra y admira por su esplendor y creatividad sin igual, un testimonio eterno de una época en la que el arte se atrevió a empujar los límites de la imaginación.

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